Capturando la Magia: Desafíos y Triunfos en la Grabación

Los intérpretes quieren actuar, es tan simple como eso. Hay una cierta magia que se genera en el escenario, un bucle de retroalimentación constante entre el público y mi experiencia en el escenario: a medida que crece la emoción del público, mi entusiasmo crece con ella; y cuando mi entusiasmo se refleja en la música, la emoción del público aumenta; y así sucesivamente. Sin embargo, asistir a actuaciones en vivo no siempre es un lujo fácilmente disponible: para empezar, no puedo clonarme y tocar en cada ciudad todos los fines de semana. Este es el principio por el cual existe la música grabada.

Nuevamente, no olvidemos que, como intérpretes, estamos diseñados para tener presencia en el escenario, estamos entrenados para interactuar con el público frente a nosotros. Pero, en el confinamiento aislado de un estudio de grabación, actuar se siente muy diferente. Cuando estoy en el escenario, casi puedo sentir cómo el público da vida, da propósito, a mi interpretación. De repente, en el estudio de grabación, no puedo contar con esa magia recíproca, en cambio, tengo que desarrollarla artificialmente.

Es difícil motivarme cuando solo estoy yo y mi guitarra, y un montón de ingenieros discutiendo sobre la colocación del micrófono, pasando horas encerrado en una habitación sin sonido, y me piden tocar la misma frase una y otra vez. La pura repetitividad de la experiencia hace que los riesgos se sientan mucho más bajos en el estudio que en el escenario. En el escenario, solo tengo una oportunidad para hacerlo bien, y la adrenalina que el público aporta me impulsa a hacer lo mejor que puedo: cada segundo que paso en el escenario con el público es un segundo que debo aprovechar al máximo. Por otro lado, en el estudio, todos buscamos la perfección sonora, lo que significa que tengo la oportunidad de volver a grabar una pieza, o incluso una frase, tantas veces como sea necesario hasta que quede perfecta. La emoción prolongada que suelo sentir en el escenario comienza a desvanecerse después de la primera hora de pruebas de sonido en el estudio. La solución, y es una que luché por cultivar durante muchos años, es un cambio de mentalidad: tengo que entrar en el estudio de grabación mentalmente preparado para motivarme con la emoción natural que me embarga cuando estoy frente a un público. Y algunos días es más difícil que otros.

En mi álbum más reciente, "The Blue Album", hubo varias piezas que tardaron horas en grabarse, en particular una pieza me viene a la mente: el enormemente famoso "Clair de Lune" de Claude Debussy. Debido a que esta pieza ha sido interpretada innumerables veces, me desafió a aportar algo nuevo a la interpretación. Además, esta pieza fue originalmente escrita para piano, por lo que hubo ciertas modificaciones que tuve que tener en cuenta para lograr el lirismo pianístico de esta pieza en la guitarra. "Clair de Lune" tomó más de dos horas en grabarse, y a pesar de los desafíos que presentó, creo que la grabación que lanzamos es única y conmovedora.

Otro desafío que presenta la grabación en el estudio es la idea del micrófono como intermediario. Si bien es común pensar en el micrófono simplemente como un dispositivo de amplificación, listo para reproducir instantáneamente tu sonido, la realidad es que cada micrófono capta algo diferente.

Imagina que estás transmitiendo un mensaje importante a un amigo que no se puede transmitir electrónicamente, "Necesito cambiar nuestra cita para el sábado al domingo a las 12pm, pero la reserva sigue siendo en el mismo restaurante". Sin embargo, no puedes hablar directamente con este amigo, por lo que debes pedirle a alguien que le dé la actualización. Dependiendo de quién le dé esa actualización, podrían enfatizar aspectos diferentes del mensaje que no son necesariamente tan importantes: tal vez destaquen el hecho de que el brunch es a las 12pm, pero no transmiten la importancia del cambio de día; o tal vez resalten la ubicación del brunch en lugar de la actualización del horario. Los micrófonos funcionan de manera similar: elegir el micrófono correcto es como elegir a la persona adecuada para transmitir el mensaje.

Cuando los micrófonos actúan como intermediarios entre mi sonido acústico y los oídos del oyente, hay una naturalidad que es difícil de reproducir. Parte de la calidad acústica de la guitarra es el sonido físico que se produce cuando mis dedos golpean las cuerdas, que tiende a ser sutilmente percusivo y se escucha entre las líneas del ritmo melódico y armónico de cualquier pieza. Como guitarrista de concierto, me enseñaron a evitar el "ruido de los dedos" intrusivo tanto como fuera posible, pero si tocará la guitarra a un metro de distancia de ti, escucharías algún tipo de "ruido de los dedos" inevitable que es el resultado físico de mis uñas golpeando las cuerdas, incluso en medio de la perfección técnica. Este tipo de ruido le da autenticidad a la música. Las notas de guitarra que son manipulaciones electrónicas o artificiales no siempre suenan reales, a veces ni siquiera suenan como una guitarra en absoluto. En la mayoría de los casos, esto se debe a que la autenticidad del sonido solo puede ser reproducida por un ser humano real tocando notas. El contacto real de mis manos en la guitarra, junto con otras consideraciones como los aspectos físicos de mi fraseo o incluso cuándo elijo inhalar y exhalar, son lo que diferencia audiblemente una interpretación real de la música generada electrónicamente. Para la música clásica, los productores se esfuerzan por que la grabación suene lo más natural posible; se esfuerzan por acercar al público lo más posible a la cosa real.

Esta ha sido la filosofía rectora de todos los productores con los que he trabajado. Además, más recientemente, en "The Blue Album", el productor logró capturar la naturalidad del instrumento a través de sus elecciones de micrófono y su ubicación. Los micrófonos estaban tan cerca de mis manos que pudo ofrecer una mezcla que

 realmente se aproxima a mi sonido auténtico. Hay dos canciones en este álbum que destacan esto en particular, "Etude in E Minor, Op. 6: No.11" de Fernando Sor y "Merry Christmas, Mr. Lawrence" de Ryuichi Sakamoto. Me quedé asombrado de cómo salieron estas grabaciones y recomiendo encarecidamente usar auriculares o altavoces de calidad para disfrutarlas.

Si bien las actuaciones en vivo siempre serán mi método preferido de comunicación artística, hoy en día existen muchos recursos que los productores utilizan para sumergir por completo al público, replicando una experiencia en vivo. Para "The Blue Album", el equipo de producción utilizó Dolby Atmos para generar la intimidad que deseaba reflejar. Con esta tecnología, cada canción del álbum suena como si estuviera tocando la guitarra específicamente para el oyente. Con un buen juego de auriculares o altavoces, debería sentir que estoy justo allí en la habitación contigo, dándote un concierto privado.

Al final del día, ya sea que me estés escuchando tocar en el escenario o que estés transmitiendo mi música, mi objetivo es conectarme contigo, el oyente, a nivel emocional y espiritual. De hecho, esa conexión es lo que me impulsa a ser un mejor músico cada día. Aunque puede ser desafiante actuar sin público, las horas que dedico a mis sesiones de grabación valen la pena si significa que mi música es más accesible para más personas.

¡Haz clic en este enlace para escuchar "The Blue Album"!